Cátalogos
SUBASTA 153
Subasta 153
VENDIDO
Lote 74
ESCUELA CENTROEUROPEA S. XVII - Virgen del Carmen rodeada de santos
ESCUELA CENTROEUROPEA S. XVII. . Virgen del Carmen rodeada de santos. Óleo sobre tabla. Medidas 79,5 x 56,5 cm
Precio salida 1.000 €
VENDIDO
Lote 75
ESCUELA NOVOHISPANA S. XVIII - Crucifijo de madera con la escena de la Crucifixión
ESCUELA NOVOHISPANA S. XVIII. . Crucifijo de madera con la escena de la Crucifixión. Óleo sobre tabla. Medidas 56,5 x 35,4 cm. Con guardas de plata punzonadas.
Precio salida 800 €
Lote 76
ESCUELA ESPAÑOLA S. XVII - Imposición de la casulla a San Ildefonso
ESCUELA ESPAÑOLA S. XVII. . Imposición de la casulla a San Ildefonso. Óleo sobre tabla. Medidas 4,4 x 9,5 cm
Precio salida 300 €
VENDIDO
Lote 77
SEBASTIÁN MARTÍNEZ DOMEDEL - San Pedro en lágrimas
SEBASTIÁN MARTÍNEZ DOMEDEL. Jaén c. 1615 - Madrid 1667. . San Pedro en lágrimas. Óleo sobre lienzo. Medidas 39 x 37,9 cm. . En este cuadro de formato vertical, se representa a San Pedro en lágrimas mientras está rezando. Es, sin duda, un tipo iconográfico recurrente para el Príncipe de los Apóstoles, ya que muestra de forma humana al santo y acerca al fiel a la oración. . Martínez Domedel fue un pintor jiennense del siglo XVII que se formó en el taller de su padre Bartolomé Martínez. En Córdoba recibió ciertas influencias de la estética de Herrera el Viejo (1590-1654) y Antonio del Castillo (1616-1668), pero también de la linea caravaggesca, de Ribera (1591-1652) y de Zurbarán (1598-1664). La destreza de su pintura le otorgó los puestos de pintor en la Catedral de Jaén y de la Corte de Felipe IV, asumió ambos cargos en 1660.. Trabajando normalmente con encargos para espacios religiosos, acostumbraba a tratar iconografías católicas, aunque su inquietud le abrió camino en la pintura de paisaje. Temáticamente, el pintor elige un episodio posterior a la Negación de Cristo, en la que se muestra a San Pedro en actitud de arrepentimiento. . Para ello, el cuadro presenta un tipo habitual en su pintura, el de hombre de avanzada edad, barba frondosa y canosa, que a su vez evidencia la influencia del naturalismo andaluz. La pincelada de este pintor entronca directamente con la escuela cordobesa del momento, lo que provocó que su fama se extendiera rápidamente. El tratamiento de la túnica del santo es común a sus obras; los plegados son pesados, por lo que describen muchos pliegues. El colorido también se consideró moderno para su tiempo, el tono verdoso de la túnica es poco común y demuestra una revolución en la paleta del pintor. En cuanto al fondo de la composición, es habitual en la producción de este pintor representar a sus personajes en un fondo penumbroso. Sin embargo, aunque Martínez desglose una serie de elementos en sus pinturas, lo hace de forma sencilla, sin que se cree una sensación de horror vacui. . En sus composiciones, evidencia la influencia de algunos maestros del momento, pero siempre con un toque característico de su producción. En este caso, este distintivo se aprecia en la individualización del santo y en la brillantez de los ojos. Del mismo modo, aunque la barba no permite apreciar la delimitación del rostro por completo, se advierte cierta redondez, rasgo que también se aprecia en el semblante de la Inmaculada Concepción que realizó para el Convento del Corpus Christi (Córdoba). . Martínez pintó en otra ocasión esta iconografía, que hoy se encuentra en la Colección Granados (óleo sobre lienzo, 162 x 103 cm) que representa a San Pedro de cuerpo entero en soledad junto a sus atributos más conocidos: las llaves y el libro. . . Agradeecemos a Rafel Mantas Fernánez su ayuda en la catalogación de ésta obra..
Precio salida 3.500 €
Lote 78
SEGUIDOR DE LUCA GIORDANO S. XVIII - San Miguel y San Gabriel presentan el Niño Jesús a la Virgen
SEGUIDOR DE LUCA GIORDANO S. XVIII. . San Miguel y San Gabriel presentan el Niño Jesús a la Virgen. Óleo sobre lienzo. Medidas 91,5 x 105,5 cm. . El tema representado se inspira en un pasaje de “La Mística Ciudad de Dios”, escrita por María Jesús de Ágreda (1602-1665), consejera del rey Felipe IV. En su texto, describe cómo los arcángeles Miguel y Gabriel asistieron “de forma humana y corpórea al misterio”, recibiendo en sus brazos al Niño y entregándoselo a la Virgen.
Precio salida 3.000 €
VENDIDO
Lote 79
SEGUIDOR DE ANDREA VACCARO S. XVIII - Santa Maria Magdalena
SEGUIDOR DE ANDREA VACCARO S. XVIII. . Santa Maria Magdalena. Óleo sobre lienzo. Medidas 62 x 47 cm
Precio salida 1.400 €
Lote 80
COPIA DE CARLO MARATTA S. XVIII - El Tránsito de San José
COPIA DE CARLO MARATTA S. XVIII. . El Tránsito de San José . Óleo sobre lienzo. Medidas 136 x 107,5 cm
Precio salida 2.000 €
VENDIDO
Lote 81
NICOLA MALINCONICO - Virgen de la Humildad
NICOLA MALINCONICO. Nápoles 1663 - c. 1727. . Virgen de la Humildad. H. 1710. Óleo sobre lienzo. Medidas 74 x 54,5 cm. . Esta inédita Virgen de la Humildad concebida para la devoción privada, hipótesis reforzada por el formato cuadrangular y estrecho del lienzo nos lleva al círculo más refinado de artistas del taller de Luca Giordano a finales del siglo XVII. De hecho, pertenece a Nicola Malinconico, una figura que los estudios más actuales han clasificado entre los alumnos más superdotados de Giordano. . Hijo del pintor Andrea Malinconico, quien lo inició en al arte de la pintura al igual que su hermano mayor Oronzo, Nicola fue primero discípulo de Andrea Belvedere y posteriormente de Luca Giordano a mediados de la década de 1680. Y fue gracias a la mediación de este último que Malinconico tuvo la oportunidad de debutar en 1690 en la iglesia abacial de Montecassino, heredando luego del viaje de Giordano a España en 1692, la dirección de la obra de construcción de Santa Maria Maggiore a Bérgamo (1693-1694).. El estilo de esta Virgen con el Niño difiere de las versiones de otros compañeros del estudio de Giordano (como Andrea Miglionico y Giuseppe Simonelli), revelando una profunda sintonía con las obras de plena madurez de Malinconico. Y para darse cuenta de esto, basta detenerse en la prominencia en clave solimenesca de las anatomías, al evidenciarse más el juego del claroscuro o, de nuevo, las sombras bituminosas que tiñen los párpados y los ojos. . Un recurso, este último, recurrente en el repertorio del artista y que, además, se elabora para dramatizar la mirada y dar el volumen adecuado en las cuencas de los ojos, nariz y frente. . La versión más cercana y que refuerza la hipótesis atributiva a Malinconico es la Virgen con el Niño de la pinacoteca de Montecassino se conserva una Virgen con Niño (óleo sobre lienzo, 72 x 60 cm) que data de 1710.. . Mauro Vincenzo Fonatana . 22 de noviembre del 2022. . . Bibliografía:. . - Mauro Vincenzo Fontana., La brigata giordanesca nelle stanze di San Benedetto. Per la pittura napoletana a Montecassino, in “Bollettino d’Arte”, XLIII, 2020, pp. 79-100.. . - Mauro Vincenzo Fontana., Traiettorie di critica giordanesca. Su due tele ad Altamura, in “Altamura. Bollettino dell’A.B.M.C.”, 61, 2021, pp. 103-113.. . - Mauro Vincenzo Fontana., Nicola Malinconico, voce biografica, in Splendori del barocco defilato. Arte in Basilicata e ai suoi confini da Luca Giordano al Settecento, catalogo della mostra (Matera, Potenza, Firenze 2009-2010), a cura di E. Acanfora, Firenze 2009, pp. 250-251.. .
Precio salida 3.500 €
Retirado
Lote 0082 HENDRICK VAN SOMER - San Jerónimo ante la calavera
Lote 0082 HENDRICK VAN SOMER - San Jerónimo ante la calavera
HENDRICK VAN SOMER. Lokeren 1607- Nápoles 1656?. . San Jerónimo ante la calavera. Óleo sobre lienzo. Firmado. Medidas 120 x 100 cm. . Procedencia:. . - Colección particular, Madrid.. . El lienzo, forrado en época moderna, presenta a san Jerónimo ante un fondo oscuro indeterminado, escribiendo en una hoja de papel sobre una mesa de madera, mientras extiende el brazo izquierdo para tocar con la mano una calavera puesta sobre una piedra. El santo, vuelto a la derecha, mira de perfil hacia la calavera; los hombros desnudos, tiene el cuerpo cubierto por solo un manto rojo, en alusión a su iconografía en prendas de cardenal. En la mesa, además de la hoja y de otra carta por debajo, apoya un grueso libro, el de la Biblia evidentemente, con tapa de cuero desprendida y en mal estado; sobre ésta descansa la piedra para hacer penitencia y detrás se vislumbra otra pluma para escribir. Según una tradición familiar, el cuadro procede de la quiebra de los duques de Osuna a finales del siglo XIX.. La hoja en la que san Jerónimo escribe presenta la firma «Jusepe de Ribera f.»: sin embargo, la letra de la inscripción contiene una apreciable incertidumbre y su forma no se corresponde de ninguna manera a las de Ribera, por no tener ni año ni los apodos “valenciano” o bien “español”; asimismo, la «f.» de “fecit” o “faciebat” está en letra minúscula y no capital. Por lo tanto, hay que pensar en un añadido posterior. Tampoco el estilo puede dejar dudas: pese a ser muy parecido al del Españoleto, reduce un poco la fuerza dramática del maestro valenciano en favor de una expresividad ligeramente patética, y su pincelada resulta no tan densa sino más líquida, fina y suave gracias un trato sutil, como puede apreciarse especialmente en la cabellera y en el pelo de la barba del santo.. En realidad, nos encontramos delante de una obra de Hendrick de Somer o «Errigo fiammingo», como lo cita Bernardo de Dominici entre los discípulos de Ribera. Apodado a veces “el napolitano”, para distinguirlo del homónimo contemporáneo y más débil pintor que nació en Roma en 1615 y fue activo allí y luego en Amsterdam de 1645 a 1684 año de su muerte, «Errigo fiammingo» resulta haber nacido en Lokeren (Gante) hacia 1607. A partir de 1624 y hasta 1655 está documentado en Nápoles, donde llegó con diecisiete años de edad y debió de fallecer durante la tremenda pestilencia de 1656. Vigoroso intérprete del realismo naturalista de Jusepe de Ribera, del que en muchas ocasiones derivó las composiciones y que siempre mantuvo como principal modelo de referencia, Somer se inserta en el amplio fenómeno del “riberismo” que acomunó varias personalidades artísticas en la Nápoles del segundo cuarto del siglo XVII, como Filippo Vitale, Bartolomeo Passante, Juan Do, Francesco Fracanzano y Antonio de Bellis. Además, sus obras manifiestan el contacto con otro pintor flamenco algo mayor que él y que residió en Nápoles durante algunos años a mediados de los años treinta, Matthias Stomer o Stom, cuyo estilo queda sin embargo más cargado tanto en el dibujo como en los contrastes de luz y sombra.. Según De Dominici, Somer siempre se abstuvo, “cuando pintó de su propia invención”, de usar “el color tan denso como el maestro”. Efectivamente, con el paso de los años su estilo tiende a hacerse cada vez menos crudo y más suave y el claroscuro menos violento y más pictórico y precioso, mientras los colores adquieren luminosidad. Esta evolución refleja la influencia del gusto neovéneto, que penetró y logró éxito en la capital a lo largo de la cuarta década. Por otro lado, el origen flamenco de Somer se revela a través del gusto por la descripción analítica de las superficies y por los detalles de naturaleza muerta, como aquí en los libros y papeles, y una cierta inclinación por los matices sentimentales, que se aprecian en el rostro conmocionado y casi llorando de san Jerónimo, la mirada esforzada y miope y la boca entreabierta. De una manera parecida está representado el personaje del viejo Cimón en las dos versiones de la Caridad romana, una de las que, antes en la colección del senador Giacinto Bosco de Roma, lleva el monograma del pintor con el año 1635.. Somer se enfrentó muchas veces al tema de san Jerónimo, imitando y variando los modelos de Ribera y, detrás de ellos, de Caravaggio, y deteniéndose especialmente en la descripción de los brazos, hechos delgados y flacos debido a la labor intelectual, y de las manos arrugadas por la vejez, como también de los libros y calaveras. Se señalan los ejemplares, todos de medio cuerpo, del Speed Art Museum de Louisville en Kentucky; de colección particular en Nápoles; de la Galería de Arte Canesso de París, fechado en 1654; de colección particular también en París; de la Cartuja de San Esteban en Serra San Bruno en Calabria; de colección particular en Cosenza, donde al santo le aparece la trompa del Juicio final; y finalmente del Museo del Hermitage de San Petersburgo, éste con fecha de 1651 o 1652 y los últimos dos los únicos de cuerpo entero. En todas estas pinturas, al igual que en la que aquí se comenta, se destaca la paleta centrada en el juego de ocres, blanco y rojo. Se ha dejado por último el San Jerónimo de la Galería Nacional del Palacio Barberini de Roma, firmado y fechado «Enrico so./ f. 1652» y derivación directa del cuadro de Ribera en Mdina en la isla de Malta: es interesante observar que, antes de la moderna restauración, la firma estaba cubierta por una falsa inscripción «Jusepe de Ribera F. 1649»: aparte de la «F.» en mayúscula, igual a la que se lee en la pintura que aquí se presenta y que se propone situar, por su estilo todavía sobrio y la paleta reducida, en una etapa temprana de su carrera: es decir, alrededor de 1635-1640.. Se agradece a Riccardo Lattuada el fructífero intercambio de opiniones.. . Roma, 17 de noviembre de 2022. Antonio Vannugli. . Bibliografía abreviada:. . Bernardo De Dominici, Vite de’ pittori... 2003-2008, 1, p. 39; Ferdinando Bologna, Battistello..., Cat. Exp. Nápoles 1991, pp. 15-208, 164-167 y 309-313, nº. 2.72-2.78 (Lilia Rocco); Nicola Spinosa, Aggiunte... coord. Francesco Abbate y Fiorella Sricchia Santoro, 1995, pp. 223-230; Ferdinando Bologna, Per Giovanni Ricca... 1996, pp. 9-37; Nicola Spinosa, Pittura... 2010 , pp. 392-398; Viviana Farina, Intorno... 27, 2011, pp. 155-194; Gianluca Forgione, Ancora... 54/5, 2013, pp. 91-97; Giuseppe Porzio, La scuola... 2014, pp. 93-205; Véronique Damian, Massimo Stanzione... 2016, pp. 20-25. .
Lote 83
PIETRO NOVELLI, IL MONREALESE - San Cristóbal con el Niño
PIETRO NOVELLI, IL MONREALESE. Monreale 1603 – Palermo 1647. . San Cristóbal con el Niño. Óleo sobre lienzo. Medidas 121 x 84,5 cm. . Procedencia:. Colección del diplomático granadino Fernando Gómez Contreras, primer tercio del s. XX. . . Pietro Novelli es uno de los artistas más destacados del panorama artístico siciliano del siglo XVII. Hijo de pintor, su primera formación incluyó frecuentes viajes a Palermo, donde se ha sugerido que frecuentó la escuela de Vito Carrera. El paso de Van Dyck por Sicilia en 1624 tuvo una influencia inmediata en los artistas isleños, por lo que sin lugar a dudas ésta constituye una de sus mayores deudas; además, sabemos que Novelli fue cofrade de la Compañía del Rosario desde 1630, y que esta comunidad recibió La Coronación de la Virgen del pintor de Amberes en esas mismas fechas. Se ha señalada también que, entre 1631 y 1632, pudo realizar un viaje a Nápoles y Roma, por lo que habría que ampliar sus influencias al naturalismo de pintores como Antiveduto Grammatica, Battistello Caracciolo, Massimo Stanzione o José de Ribera, que han determinado su personalidad artística, en la que se combina el naturalismo riberesco con la refinada elegancia y el colorido de Van Dyck. . Su carrera pictórica se desarrolló en paralelo a su labor como arquitecto. Novelli fue nombrado «arquitecto del reino» de Sicilia en 1643, pero únicamente conocemos esta faceta a través de sus diseños, puesto que no han pervivido hasta nuestros días ninguna de sus obras arquitectónicas. . En España, se conservan obras de Novelli procedentes de la Colección Real y el fondo fundacional de la Real Academia de San Fernando, además de en diversas colecciones particulares..
Precio salida 15.000 €
VENDIDO
Lote 84
GIUSEPPE MARULLO - Santa Dorotea
GIUSEPPE MARULLO. Orta di Atella, Caserta c.1610 - Nápoles 1685. . Santa Dorotea. Óleo sobre lienzo. Medidas 91,5 x 74 cm. . Son muy pocos los datos biográficos que se conocen sobre Giuseppe Marullo. Sus primeras obras demuestran el conocimiento de distintas corrientes pictóricas presentes en Nápoles durante el siglo XVII que van desde el clasicismo boloñés hasta el severo naturalismo aprendido de Francesco Guarino. Se conservan documentos que atestiguan su participación en el envío de sus obras a España por mediación de don Pedro de Aragón, embajador en Roma (1664-1666) y el virrey de Nápoles (1666-1672). . . Esta bella obra de corte naturalista demuestra el impacto de artistas como Massimo Stanzione con quien habitualmente tiende a confundirse su producción pictórica. La escena muestra a la joven cristiana antes de su martirio recibiendo de manos de un niño un cesto con tres rosas y tres manzanas. El signo milagroso acaecido en pleno invierno a petición del sarcástico juez Teófilo, quien terminó por convertirse al cristianismo. . Particularmente bello es el manto rojo de la santa en contraste con el fondo oscuro del fondo. El delicado modelado de las carnaciones construidos por sutiles sombreados que acentœan el dramatismo de la escena.
Precio salida 8.000 €
VENDIDO
Lote 85
ATRIBUIDO A SEBASTIÁN LLANOS Y VALDÉS - Retrato ecuestre de Calígula, Emperador de Roma
ATRIBUÍDO A SEBASTIÁN LLANOS Y VALDÉS. Sevilla c. 1605 - 1677. . Retrato ecuestre de Calígula, Emperador de Roma. c. 1660. Óleo sobre lienzo. Medidas 211,4 x 151,7 cm. . Procedencia:. Colección particular, Estados Unidos.
Precio salida 6.000 €
VENDIDO
Lote 86
PAOLO DOMENICO FINOGLIA - La Muerte de Lucrecia
PAOLO DOMENICO FINOGLIA. Orta di Atella, Nápoles c. 1590 - Conversano, Bari 1645. . La Muerte de Lucrecia. Óleo sobre lienzo. Medidas 170 x 210 cm. Con importante marco barroco.. Al dorso antigua etiqueta de la Junta de Incautación y Protección del Patrimonio Artístico (etiqueta al dorso).. . . Procedencia:. . - Colección de don Joaquín Payá López (1872-1958), embajador de España en Shanghai (ver sello de colección al dorso).. - Colección particular.. . . Este cuadro de dimensiones monumentales que recoge uno de los episodios más representados de la Historia de Roma se debe al pintor napolitano Paolo Domenico Finoglia. En los últimos años han salido a la luz importantes estudios dando a conocer nuevas obras que han permitido contextualizar al pintor en el panorama pictórico napolitano. Su formación tuvo lugar en la capital virreinal junto a pintores de corte manierista como Ippolito Borghese y otros de tendencia naturalista como Battistello Caracciolo, Massimo Stanzione o Artemisia Gentileschi.. La escena muestra el trágico momento en que la noble y casta Lucrecia se asesta la puñalada mortal tras haber sido violada por Tarquinio Sesto. Justo detrás le asiste su esposo Colatino quién alza su mano izquierda en auxilio hacia Lucio Junio Bruto. Éste último dirige su mirada desafiante al espectador para jurar venganza: “Por esta sangre pura, yo juro delante de los dioses que perseguiré a Lucio Tarquinio el Soberbio y a toda su cruel familia con fuego y hierro, y que ninguno de ellos, ni otro alguno, será de hoy en adelante rey de Roma”. En el centro vemos a un desconsolado Espurio Lucrecio llorar el fatal destino de su hija, razón del final de la monarquía y el surgimiento de la República romana.. La obra en cuestión de gran teatralidad y magnificencia podría situarse entre 1640 y 1645 después de la realización del ciclo pictórico sobre la Jerusalén liberada encargado por el conde Giangirolamo II Acquaviva d’Aragona para la residencia ducal de Conversano. También se pueden encontrar algunas similitudes formales con otras obras, como el José y la mujer de Putifar del Fogg Art Museum de Cambridge de Massachusetts. Sorprendente es el parecido de la figura de Lucrecia con una de las protagonistas del Combate de mujeres de José de Ribera del Museo del Prado. . El tema aquí tratado puede vincularse con el importante ciclo pictórico sobre la Historia de Roma que encargó el Conde-Duque de Olivares a don Manuel Fonseca, VI conde de Monterrey y Virrey de Nápoles para decorar las estancias del Palacio del Buen Retiro en el que intervinieron los mejores pintores de Nápoles, entre los que se encontraba Finoglia con cuatro lienzos.. . Obra referenciada en:. . - Alfonso E. Pérez Sánchez, Pintura italiana del siglo XVII en España, 1965, p. 481, lám. 191.. - José Luis Requena, Una morte de Lucrezia di Paolo Domenico Finoglio, en "Paragone" 2011 (741), pp. 42-45, lám. 42.. . Bibliografía:. . - Maria Cristina Terzaghi, Per Paolo Finoglio e il patronage artistico degli Acquaviva nella prima metà del Seicento, in Abruzzo. Il Barocco negato, a cura di R. Torlontano, Roma, 2010, pp. 237-250.. - Viviana Farina, “Un sogno di grandeza. Giangirolamo II: la vita e l´amore per le arti”. En Viviana Farina (ed.), Artemisia e i pittori del conte. La collezione di Giangirolamo II Acquuaviva d’Aragona a Coversano, Cat. Exp. Cava de’ Tirreni, Aereablu Edizioni, 2018, pp. 29-34.. .
Precio salida 30.000 €
Lote 87
DESPUÉS DE GUIDO RENI S. XVIII - La muerte de Cleopatra
DESPUÉS DE GUIDO RENI S. XVIII. . La muerte de Cleopatra. Óleo sobre lienzo. Medidas 41 x 28,5 cm. . Nos encontramos ante una versión del original de Guido Reni de procedencia particular florentina que en 1777 Robert Strange llevó a grabado.. . Bibliografía:. . - Stephen Pepper; Guido Reni: A Complete Catalogue of His Works with an Introductory Text, 1988, cat. nº 101, lám. 92..
Precio salida 2.000 €
VENDIDO
Lote 88
DESPUÉS DE ANTONIO ALLEGRI DA CORREGIO S. XVII - Magdalena leyente
DESPUÉS DE ANTONIO ALLEGRI DA CORREGIO S. XVII. . Magdalena leyente. Óleo sobre cobre. Medidas 28 x 37 cm. Con importante marco de carey.. . Se trata de una versión del original realizado por el pintor Correggio (1489-1534), titulado Magdalena Leyente. Aunque se desconoce la atribución exacta de quién pudo realizar esta versión del original renacentista, la calidad de este cuadro presume que debía ser un artista de indudable destreza. . Existe cierta documentación sobre el original, en la que se acredita la existencia de un cuadro de formato horizontal de María Magdalena Leggente, que captó el ojo del Emperador Federico III de Sajonia (1463-1525) y que permaneció en la Colección Real hasta la explosión de la Segunda Guerra Mundial (1939-1945). Aunque se creyó destruida tras los bombardeos de Dresde (13 de febrero de 1945), han surgido en el mercado distintas copias que se han intentado atribuir al pintor. Es, de hecho, una de las pinturas más copiadas en los siglos XVII y XVIII. La copia más sonada fue la que salió en Sotheby´s Nueva York (enero de 2022), asegurando que habían dado con el original. Esta teoría contaba con el respaldo del experto David Ekserdjian (1955). Otras hipótesis sostienen que el original perdido pertenecía a la producción de otro pintor, Cristofano Allori (1577-1621), quien había realizado la copia más próxima a Correggio por un encargo de Isabella D´Este (1474-1539). . La escena muestra a María Magdalena recostada en una cueva leyendo. Ataviada con una túnica de color azul océano, la Santa se presenta de forma semejante a la Venus (h.1507-1510) de Giorgione (1477/78-1510), pero en clave sagrada. A la izquierda de la Santa destaca el bote de perfumes con el que lavó los pies de Cristo. Iconográficamente, esta escena fue introducida por Correggio. Aunque se conozcan numerosas versiones, copias y grabados del original; como, por ejemplo, el atribuido a Leonardo, Magdalena Leggente, último tercio del siglo XV (colección particular, Barcelona, 15 x 12,5 cm) la copia anónima de la New York Historical Society o la polémica versión ya mencionada que salió a Sotheby's, esta copia es de las que mejor calidad conserva. La fama del original es innegable hoy en día, pero también ha sido conocida a lo largo de la historia, siendo incluso objeto de examen para el ingreso en la Academia de Bellas Artes de San Fernando. . . Bibliografía: . - David Ekserdijan., Corregio, Yale University Press, 1997, pp. 23-37. . - Antonio Allegri da Correggio, Saint Magdalen Reading, Catalogue Note, Sotheby´s, Master Paintings & Sculpture, lote 23, 27 de enero de 2022. . - https://maddalenaleggente.wordpress.com/ (19 de noviembre del 2022). .
Precio salida 3.000 €
VENDIDO
Lote 0089 MATEO GALLARDO - Jael y Sísara
Lote 0089 MATEO GALLARDO - Jael y Sísara
MATEO GALLARDO. Madrid c. 1600- 1667. . Jael y Sísara. c. 1575. Óleo sobre lienzo. Firmado. Medidas 145,7 x 162,5 cm. Inscrito: "IAHEL". . Procedencia:. . - Colección Forum Filatélico, Madrid.. - Vendido en Sotheby's Londres, 19 de abril 2015, lote 570.. - Colección particular, Madrid.. . Mateo Gallardo fue un pintor del barroco español asentado en Madrid. De sus obras, únicamente se conserva un lienzo firmado y fechado; el Martirio de Santa Catalina, (1653, Museo de Bellas Artes de Asturias). Su pintura se caracteriza por el vivo colorido y las formas rotundas de un dibujo muy elaborado. Es por eso considerado un pintor retardatario para su tiempo que permaneció bajo la estética del tardomanierismo. Entre sus obras mas conocidas destaca el retablo mayor de la Catedral de Plasencia. . Con dos obras formando parte de la colección del Museo del Prado, este cuadro de excelente calidad, presenta el momento bíblico en el que Jael, la mujer del cenita Barac invita a Sísara (general de Jabin) a descansar en su tienda tras la batalla entre los Israelitas y los súbditos del rey Jabin de Canaán. Cuando cae dormido, Jael le clava una estaca en la sien; cumpliendo las palabras de la profetisa Débora, que auguraba que el general Sísara moriría a manos de una mujer y no bajo la espada de Barac. Este pasaje del Antiguo Testamento es considerado por los exégetas medievales como una prefiguración de la Virgen venciendo al demonio. Otros pintores se interesaron por este tema, como Artemisia Gentileschi (1593-1656), o Jacopo Vignali (1592-1664). . Compositivamente vemos al general Sísara sobre el suelo, muerto, mientras Jael recoge la túnica del fallecido ante la atenta mirada de su marido. La indumentaria de los distintos personajes es de una gran riqueza cromática. El foco lumínico situado en el lado izquierdo dibujo distintos tonos sobre la piel de los retratados. Estas carnaciones se presentan muy atemperadas, pues sin ser monumentales, están trabajadas en gran detalle. En el extremo izquierdo se abre un ventanal a un paisaje que infiere profundidad a la escena. Los gruesos plegados del vestuario están tratados con minuciosidad aportan solemnidad a una escena narrativa de profundo sentido emocional. . . Bibliografía: . . - Diego Ángulo Íñiguez y Alfonso E. Pérez Sánchez., Historia de la pintura. Escuela madrileña del segundo tercio del siglo XVII, Madrid, Instituto Diego Velázquez, CSIC, 1983, pp. 67. . - Mónica Walker Vadillo., Jael y Sísara, Base de datos digital de Iconografía Medieval, Universidad Complutense de Madrid. .
Precio salida 4.000 €
VENDIDO
Lote 0090 ATRIBUIDO A ANTONIO GIANLISI - Bodegón con tapices, perros, guacamayo y frutas
Lote 0090 ATRIBUIDO A ANTONIO GIANLISI - Bodegón con tapices, perros, guacamayo y frutas
ATRIBUIDO A ANTONIO GIANLISI. Rizzolo San Giorgio 1677 - Cremona 1727. . Bodegón con tapices, perros, guacamayo y frutas. Óleo sobre lienzo. Medidas 88 x 112,5 cm. . Frnacesco Gianlisi fue un pintor italiano nacido en Rizzolo pero que desarrolló su labor entre Cremona y Piacenza, especializándose en bodegones. Son típicas de sus obras son los tejidos, ricamente decorados y caracterizados por amplios pliegues.. Su adhesión al naturalismo es patente en la realización de los flecos y en la representación del mundo animal.. En la base de datos de la Fundazione Zeri se recogen varias obras de su mano muy semejantes a éste.
Precio salida 9.000 €
Lote 91
FRANCESCO MONTI - Batalla entre caballeros Choque de caballería
FRANCESCO MONTI. Brescia 1646 - Parma 1703. . Batalla entre caballeros. Choque de caballería. Óleo sobre lienzo (dos). Medidas 41 x 42,5 cm cada uno. . Francesco Monti, conocido como Brescianino delle Battaglie fue un pintor italiano del período barroco, nativo de Brescia, alumno de Pietro Ricchi, Il Lucchese, y, sobre todo, de Jacques Courtois, Il Borgognone.. Antes de asentarse en Parma visitó las ciudades de Génova, Roma y Venecia donde pudo estudiar las obras de Johann Elismann (1604-1698) y Brisighello (1679-1750). En Nápoles conoció la pintura de Salvator Rosa, y una vez instalado en Parma abrió un prolífico taller donde se formaron artistas como Giovanni Canti, Ilario Spolverini, Angiolo Everardi o Lorenzo Comendich.. Las pinturas de Monti se caracterizan por escenas de gran dinamismo envueltas en una atmósfera de humo y polvo donde se vislumbran una maraña de hombres armados o malheridos y caballos encabritados. .
Precio salida 6.000 €
VENDIDO
Lote 0092 GABRIEL DE LA CORTE - Pareja de jarrones con flores sobre una base arquitectónica y una venera de fondo
Lote 0092 GABRIEL DE LA CORTE - Pareja de jarrones con flores sobre una base arquitectónica y una venera de fondo
GABRIEL DE LA CORTE. Madrid 1648 - 1694. . Pareja de jarrones con flores sobre una base arquitectónica y una venera de fondo. c. 1675. Óleo sobre lienzo (dos). Medidas 105 x 82,5 cm cada uno. . Este tipo de festones florales acompañado de elementos arquitectónicos debieron formar parte de un ciclo decorativo en un entorno palaciego, probablemente ornamentando a modo de sobrepuertas o sobreventanas y dando continuidad a la propia arquitectura. De la mano de Gabriel de la Corte se conocen otras pinturas de este tipo de flores que adornan fantásticos motivos pseudo arquitectónicos; la pareja de mascarones con flores del Museo del Prado, otro mascarón en la colección Juan Abelló y el conjunto decorativo de cuatro ramos de flores pendiente de mascaron de bronce del museo Cerralbo. Las composiciones de Gabriel de la Corte se caracterizan por ser muy recargadas llegando al horror vacui, la factura es libre con un toque de pincel cargado de pasta espontáneo y riguroso..
Precio salida 15.000 €
Lote 93
SEGUIDOR DE ZACARÍAS GONZALÉZ VELÁZQUEZ S. XVIII - San Pascual Bailón
SEGUIDOR DE ZACARÍAS GONZALÉZ VELÁZQUEZ S. XVIII. . San Pascual Bailón . Óleo sobre lienzo. Medidas 80,5 x 55,5 cm
Precio salida 1.200 €
Lote 94
ESCUELA ESPAÑOLA PPS. S. XVIII - San Francisco de Paula
ESCUELA ESPAÑOLA PPS. S. XVIII. . San Francisco de Paula. Óleo sobre lienzo. Medidas 29,2 x 22,5 cm
Precio salida 700 €
Retirado
Lote 0095 SEGUIDOR DE ANTONIO GONZÁLEZ VELÁZQUEZ S. XVIII - El bautismo de San Agustín
Lote 0095 SEGUIDOR DE ANTONIO GONZÁLEZ VELÁZQUEZ S. XVIII - El bautismo de San Agustín
SEGUIDOR DE ANTONIO GONZÁLEZ VELÁZQUEZ S. XVIII. . El bautismo de San Agustín. Óleo sobre lienzo. Medidas 33,5 x 58,5 cm
Retirado
Lote 0096 SEGUIDOR DE CORRADO GIAQUINTO S. XVIII - San Hermenegildo
Lote 0096 SEGUIDOR DE CORRADO GIAQUINTO S. XVIII - San Hermenegildo
SEGUIDOR DE CORRADO GIAQUINTO S. XVIII. . San Hermenegildo. Óleo sobre lienzo. Medidas 96 x 66 cm
VENDIDO
Lote 0097 JOSÉ GARCIA HIDALGO - Retrato de Felipe V
Lote 0097 JOSÉ GARCIA HIDALGO - Retrato de Felipe V
JOSÉ GARCIA HIDALGO. Villena 1646 - San Felipe, Chile 1719. . Retrato de Felipe V. Óleo sobre lienzo. Firmado e inscrito. Medidas 104 x 83 cm. . . Procedencia:. . - Colección marqués de Rafal. . Este cuadro pertenece a la producción de José García Hidalgo, un pintor y tratadista valenciano perteneciente a la generación del barroco español. Su formación en Roma le brindará una influencia muy personal a su pintura, puesto que estuvo en contacto con el entorno del pintor Pietro da Cortona (1596-1669) y Salvator Rosa (1615-1673). A su vuelta a Madrid hacia 1670 ingresó en el taller de Juan Carreño de Miranda, y en 1703 fue nombrado pintor honorario de Felipe V, regentando durante años, una academia de dibujo en Madrid, hasta su muerte en 1713. . El cuadro presenta al rey Felipe V inscrito en un tondo que reza la siguiente inscripción: Felipe V, Rey de España, nacido en 1683 y se coronó en el año 1701. El monarca se presenta de tres cuartos, sujetando en una mano un papel y en la otra su espada. Con la mirada fijada en el espectador, ostenta las insignias del Toisón de Oro y la banda azul de la Orden del Espíritu Santo; dos condecoraciones muy habituales en la iconografía del monarca. . Está ataviado con una indumentaria totalmente negra, que durante este momento se convirtió en un símbolo de poder. El negro funcionaba como un guiño de respeto hacia la monarquía de los Habsburgo en los albores del reinado de Felipe V. Por otro lado, el fondo del cuadro está decorado con un bello cortinaje rojo aportando la solemnidad y magnificencia que este tipo de retratos regios demandaban. Asimismo, los plegados del cortinaje aportan destreza y calidad al pintor. . Todas sus pinturas ponen de manifiesto las influencias en su estilo, que nunca abandonó el tenebrismo relacionado con la escuela valenciana. Por lo general, la caracterización de los retratados adolece de cierto alargamiento. El Museo del Prado conserva una veintena de sus obras, a destacar es el retrato de María Luisa de Orleans, reina consorte de Carlos II (h.1679), de los pocos cuadros de encargo regio junto con el de Felipe V.. . . Bibliografía: . . . - José Luis Colomer, El negro y la imagen real, Centro de Estudios de Europa Hispánica, 2014, p. 77-81. . . - Real Academia de Historia, José García Hidalgo, José García Hidalgo, Real Academia de la Historia (rah.es), (22/11/22).
Precio salida 12.000 €